8月27日，“穹顶与刻度”主题展览于和美术馆正式开展，并将持续至今年12月18日。此次展览是艺术家倪有鱼迄今为止最大规模个展，展出作品数量将近200件，涉及绘画、装置、雕塑、图像拼贴、木刻、摄影、影像等多重媒介，全面展示倪有鱼2008年至2022年的创作实践。
“穹顶与刻度”媒体发布会现场。
8月26日，倪有鱼展览媒体发布会在和美术馆举行。发布会上，艺术家倪有鱼和策展人朱朱共同向媒体介绍展览筹备的整个过程，并解读代表作品背后的含义。
倪有鱼，是2014年CCAA 最佳年轻艺术家奖获得者。从2005年起，倪有鱼曾在上海开始当代艺术展览的策划和艺术个案的批评写作。自2007年起，他开始成为独立艺术家。而策划人朱朱，是一位诗人、策展人、艺术评论家，曾获安高诗歌奖、中国当代艺术奖评论奖、胡适诗歌奖。
据悉，两人相识十多年，都是细节控，对整体结构性的要求都非常高，整个筹备花了大概1年的时间。“和美术馆的空间是高品质的，我们和艺术家、馆长都进行了非常详细的，一轮一轮地讨论，最终才落实到现场。”朱朱说道，展览运用和美术馆中的三层空间，对应着倪有鱼的创作理念所隐含的“天、地、人”传统三要素。
和美术馆的穹顶。
可以看到 ，和美术馆本身就有一个穹顶。在朱朱的理解看，“穹顶”有两层含义，一个是形而上的圆，代表着对宇宙观的想象；另一个寓示着人类文明达到的高度。艺术家则是以个体的创造性来一步步地趋近穹顶，并最终构成一种有限而始终盘旋而上的尺度，测量着上方喻示无限的空间和时间的穹顶。
在窗边展览的《走出画室》。
《走出画室》里的调色盘。
向末代致敬的《走出画室》，看似是一个模型的创作，但其实并不来源于具体的某个艺术家，而是倪有鱼杜撰出来的。在他的理解，“走出画室”呈现的是印象派艺术家的工作方式，而莫奈、梵高用过的调色盘就像是狩猎回来的猎物。每一块调色盘，倪有鱼都会把它当作独立的抽象主义作品，对照拍卖会中印象派画家的调色盘图案，进行创作。因此，通过调色盘的色调，观展人也许会被带入到《睡莲》《日出·印象》《梵高的星空》等等场景中。
用“打格子”的方法画出来的星云。
倪有鱼收集了很多真实星空的图像，在不借助任何投影设备的情况下，纯粹靠古典的方法--“打格子”，大约需要100到300个小时，用粉笔在黑板上临摹转换图像，才能变成星空。虽然经过了几十遍的喷胶固定，星空绘画被固定在黑板上，但是只要它裸露在空气中，那么每一秒美术馆里看不见的灰尘就会附着上来或者离开。就像真实的星空，我们看到的星空，可能是经过万亿光年的运动才到我们的视网膜上，但实际上这颗星或许已经不存在了。
倪有鱼经常援引艺术史的观念与图像资源，作为自我塑造、衡量和扩展的方法。平日里，他喜欢搜集文物残片、无名摄影师的照片或者跳蚤市场的旧物，这些现成品显露了他对于人文历史和博物学的浓厚兴趣，经由他富于想象力的重构，这些时光深处的遗迹被赋予了新的光晕，引导着观众的重新观看，而他整体的艺术形态在体现独创性的同时，因此带有“后制品”的特征。
面对时间这一根本的命题，倪有鱼多年来运用了不同的视角、材料与形式进行表达。“时间”是贯穿他许多作品的轴心，也几乎可以串联他所有的系列。与此相印证，他的几个作品系列有着漫长的创作周期，过程看似枯燥乏味，却给予了他独处、穿越图层的物质化和形而上的冥想的机会。
倪有鱼的众多创作都显示出与手工的亲密关系，他甚至会迷恋制作过程所带来的微小的误差感，视之为作品的一部分或新的契机。“发于感性而止于理性”的他，使得作品时而显得像推理小说，严谨、整饬而又耐人寻味。
“作为和美术馆的粉丝，当收到邀请的时候，我的内心是非常澎湃的。我参观过世界各地很多的美术馆，参观久了也很挑剔，但是我觉得和美术馆在国内应该是首屈一指的专业。”倪有鱼说道，很遗憾因为疫情，很多国际艺术爱好者没办法来到现场。“相信当和美术馆重新回归国际化的时候，它会给世界带来一些惊喜。”
朱朱也表示，和美术馆，“和”的意义远不止于顺德。每一次展览，不仅是对顺德、对珠三角，对中国的艺术生态有深刻的推广，未来还会在国际的语境中发挥重要的作用。
编辑：金易红
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